Vacaciones de Semana Santa

Son un respiro despues del invierno, un avance de la primavera que curiosamente siempre se presenta lluviosa, caiga en las fechas que sean. Un pretexto para salir de la ciudad pero sobre todo,  las vacaciones de Semana Santa, son tambíen un punto de inflexión en la temporada cultural y expositiva de las ciudades. Pasado el invierno, el público está más predispuesto a salir y participar en eventos de todo tipo, disfrutando del buen tiempo. En Madrid, se está desarrollando la buena costumbre de los festivales y circuitos expositivos colectivos: Miradas de Mujeres, Jugada a 3 Bandas, VIVA Festival de videoarte, PhotoEspaña. Estos eventos son como ferias de arte al aire libre, recorridos por las galerias de la ciudad que potencian la afición por el arte y revitalizan el tejido expositivo. Ahora justo despues de las vacaciones empieza Jugada a 3 Bandas.

Jugada a 3 Bandas es una iniciativa de Virginia Torrente que tuvo su estreno el pasado año y la verdad es que resulto un exito. Sobre todo por la actitud del publico; la gente parece deseosa de participar en eventos culturales, y se anima con estas convocatorias. A veces, para el gran publico los temas relacionados con exposiciones, museos y demas, parecen aburridos. No hay en nuestro pais mucha costumbre y por eso estos circuitos, verdaderas ferias de arte al aire libre, gratuitas y alegres, son un exito. Tambien son un pretexto para encontrar a los amigos, tomar un vino, hacerse fotos y conocer a los personajes del mundo del arte. Sigamos con estas iniciativas. El siguiente evento sera VIVA festival de videoarte cuyo nacimiento debemos a Macu Moran 
¿son siempre mujeres las que toman el timón en el mundo del arte y del mercado del arte?
Bien, parece que si.

Ahí estamos

           En  esta edicion de Jugada a 3 Bandas la galeria rita castellote participa con "Travesti"

La Galería Rita Castellote presenta dentro del Festival Jugada a 3 Bandas, “Travesti” una exposición creada por el comisario italiano Horacio Basilicus en la que participan el artista portugués Vasco Araújo y el ...artista madrileño David Trullo.

Esta exposición es posible gracias a la colaboración de la Galería Filomena Soares de Lisboa.

Travesti
¿Ser o parecer? El Trompe l’Oeil intelectual en el que vivimos eleva nuestra percepción a unos niveles de confusión nunca antes alcanzados. Somos libres, electores de nuestros destinos, bajo una rigurosa apariencia impuesta. Somos elementos solubles dentro de una fórmula cerrada. Así y todo, nos expresamos desde el convencimiento de la originalidad, del aporte. Allí, vamos con nuestras máscaras invisibles intentando convencernos de la crispación de nuestra hipodermis. Aquí, desmantelamos nuestra historia en defensa de una velocidad ficticia. Avanzamos a base de verdades fantasmagóricas perdiendo esencia.
Nuestro mundo no es más que aquello que inventamos para ser.

Horacio Basilicus

Jugada a 3 Bandas
 

Laurent Zylberman en New York

Nuestros artistas en el resto del mundo

Nos complace comunicar a todos nuestros amigos y clientes la inauguracion de la exposicion de las fotografias de la serie Tibet, de nuestro artista Laurent Zylberman en la prestigiosa galeria neoyorkina Sous les Etoiles The Gallery 560 Broadway 2005 NYC

Photographs from Laurent Zylberman’s series A Journey in Tibet will be on view at Sous Les Etoiles Gallery from March 15th, 2012 through April 28th, 2012. The opening reception will be held on Thursday, March 15th from 6 to 8pm at the gallery, with the artist in attendance.
Estamos muy satisfecho de haber conseguido que nuestros fotografos se abran camino en otros paises. Nuestro trabajo es difundir lo mas posible su obra y lo vamos consiguiendo.


http://galeriaritacastellote.mondografico.es/index.php?option=com_content&view=article&id=271:laurent-zylberman-en-new-york&catid=61:en-que-estamos

GELATINA DE PLATA

Gelatina de Plata

El nombre "gelatina de plata" siempre despertó mi curiosidad. Me gustaba su sonido al pronunciarlo y me gustaba la idea que contenía

Es como una mezcla entre un postre y una joya.

Una gelatina. Dulce o salada, más bien dulce. Me la imagino con esa transparencia rosada y sabor a fresa. Temblando en la cucharilla, como un pequeño cubito inquieto que entra en la boca produciendo una desconcertante sensación a mitad de camino entre lo solido y lo líquido.

Eso es una gelatina

¿Pero de plata?

¿Como podría llegar a ser la plata convertida en ese suculento bocadito tembloroso?

Púes sí, me la imagino, no transparente sino opaca pero brillante, gris pálido muy vivo, tintineando en mi cucharilla mientras la miro tratando de suponer su sabor. !!!No tiene sabor¡¡¡ Es solamente textura, sensaciones dentro de la boca como pequeños estallidos de luz.

Púes bien, todos esos pensamientos con los que yo trataba de arropar la "gelatina de plata" se vinieron abajo el día que descubrí lo que era realmente.

Al principio me sentí defraudada e incluso molesta por que alguien hubiera utilizado esas palabras tan sugerentes para nombrar algo técnico. Pero según fui entendiendo más y sobre todo, cuando fui viendo y viendo gelatinas de plata, empecé a comprender que el resultado de la verdadera gelatina de plata superaba con creces todos mis pensamientos y elucubraciones en torno al asunto.

Soñar dentro de una fotografía en gelatina de plata de Jacob Aue Sobol, o Ernesto Bazan o Caleb Charland o Rubén Morales o Renato D'Agostin, me ha compensado de la decepción de mi postre. Ahora ya sé que son joyas, por eso lo de la plata.

Y para que todo el mundo sepa un poquito más acerca de esta técnica os dejo unos datos adjuntos

Película fotográfica y proceso químico del revelado

a) La película

La película fotográfica es una cinta plástica de acetato de celulosa sobre la que se extiende una emulsión de gelatina que contiene una sustancia sensible a la luz como son las sales de plata (AgBr).

La emulsión se prepara mezclando con la gelatina nitrato de plata y un bromuro soluble (KBr). Nada más mezclarlos precipita bromuro de plata en cristales pequeños (grano fino) que, si se deja reposar, crecen con el tiempo. Cuanto mayor sea el grano más sensibles serán las películas a la luz. Esto define la sensibilidad de la película expresada por su número ASA (100 ASA es el grano normalmente usado).

Una película de grado microfino permite hacer fotografías extraordinariamente nítidas.

Cuanto mayor sea el número ASA, más rápida es la película (más pronto se impresiona) y menor es la cantidad de luz que necesita.

En este enlace puedes ver los tipos de películas, sus sensibilidades y recomendaciones de uso.

Esta emulsión se extiende sobre el acetato, que es el plástico base de la película y se deja endurecer.

La película está formada por capas que son diferentes según el empleo a que se destine. (Enlaces para conocer la composición de las capas y los formatos de las películas).

b) Exposición

La imagen del objeto debidamente enfocado se forma sobre la película que está situada en el plano focal.

El tiempo de exposición depende de la sensibilidad de la película y de la iluminación ambiente que influye en la cantidad de luz reflejada por el objeto y que entra en la cámara. Si la luz es muy intensa el tiempo de exposición debe ser pequeño.

Un fotón de luz arranca un electrón al ion Br - situado en un cristal de bromuro de plata. Este electrón es retenido por la plata que se reduce, pasa de Ag+ a Ag o. Al llegar la luz a la sal de plata se convierte en plata metal y se forma según los fotones rebotados del objeto una "imagen latente" base de la fotografía en b/n.

Este efecto reductor (la plata pasa de Ag+ a Ag o) es iniciado por la luz y continuado por el revelador.

c) Revelado.

La película impresionada se lleva a un baño revelador formado por un producto que sea reductor débil, como metanol, pirogalol o hidroquinona.

El reductor ataca el grano únicamente en los puntos en que ha comenzado la reducción por efecto de la luz durante el disparo fotográfico (exposición). Donde la luz actuó con más intensidad se forman puntos negros sobre la película. Esos puntos negros son Ag o (plata metálica, no ión plata) y crecen durante la exposición al baño revelador. La persona que efectúa el revelado debe vigilar su crecimiento observando cuando toma forma la imagen.

Los puntos más negros corresponden a las partes más brillantes del objeto, que es de donde llegó más luz hacia la cámara.

A causa de esta inversión (zona clara del objeto oscura en la película), a la película revelada se le llama negativo.

La película ordinaria puede iluminarse con luz roja débil durante el revelado ya que los fotones de esa luz no tienen energía suficiente para actuar sobre los electrones del bromuro, pero las películas pancromáticas deben revelarse y fijarse en una oscuridad absoluta.

c) Fijado

Cuando se aprecie un revelado suficiente se saca del baño. En la película queda aún bromuro de plata sin reducir que es necesario retirar ya que de no hacerlo, al exponerla a la luz, se ennegrece totalmente y se vela la película.

Se retira sumergiendo el negativo en un baño de de tiosulfato sódico (conocido como hiposulfito sódico) que se llama fijador. Este baño disuelve todo el bromuro de plata y en esos lugares la película queda transparente.

d) Lavado

Se lava la película con agua, que arrastra el bromuro de Ag. con lo cual sólo queda sobre ella la capa de gelatina con zonas de plata metálica. Una vez lavado el negativo ya no es sensible a la luz y puede sacarse de la cámara oscura sin peligro de que se vele.

e) Positivado (impresión en papel)

La imagen final sobre papel se obtiene haciendo pasar la luz de la ampliadora a través del negativo.

El papel sobre el que se realiza la copia está recubierto con una película de bromuro de plata en suspensión de albúmina de huevo o gelatina (Es una película sensible a la luz y en esto es semejante a la película fotográfica).

Una vez expuesto a la luz que pasa por el negativo, el papel se revela y se fija igual que se hizo con el negativo.

Renato D'Agostin fotografias en la galeria rita castellote de madrid

Renato D’Agostin nació en 1983.

Empezó su carrera de fotografía en Venecia, Italia en 2001. El ambiente en la ciudad nutría su curiosidad por captar escenas de la vida con su cámara. Por eso, en 2002, viaja por las capitales de Europa Occidental. Cuando regresa a Italia, entra en el Instituto Italiano de Fotografía, en Milán, y trabaja con el estudio de producción Maison Sabbatini.

En 2005, asiste a cursos de

Impresión Fina en el International Center of Photography en Nueva York. Poco después, se convierte en el asistente de Ralph Gibson.

En 2007, presenta Metropolis en la Leica Gallery en Nueva York, y después en otras galerías importantes de EE.UU y Europa, representado por Charles Zalber’s Photo 4, París. En Metropolis, las concepciones de tiempo y espacio son transfiguradas, liberando imágenes surrealistas y fantásticas relacionadas con las emociones profundas de nuestro subconsciente colectivo, un espacio que D’Agostin sabe investigar de manera sutil e íntima.

En 2009, presenta Tokyo Untitled, con epílogos de Eikoh Hosoe y Ralph Gibson. El libro y la exposición fueron presentados en Galerie Photo 4 (Paris), Leica ginza Salon (Tokyo), Leica Gallery (Nueva York), y FORMA International Center of Photography (Milán). En Rokyo Untitled D’Agostin se sumerge en las geometrías de la ciudad. Cuenta su viaje a través de sus experiencias en la calle, describiéndolas con un lenguaje de imágenes abstractas.

Al descomponer sujetos de sus realidades, demuestra su percepción del mundo que le rodea, la relación entre la arquitectura y la gente. Esto está destacado en su serie de Tokyo, en la que no tiene ni referencia ni conexión con el mundo externo, lo cual le permite descubrir lo invisible.

¿QUE PASA AHI FUERA? de Sheila Pazos: "Un mundo cándido y travieso"

Siento haberme retrasado, la verdad es que se me ha pasado el mes de enero volando. Ya estamos a punto de quitar la exposición de Sheila y casi ni me entero.

El mes de enero es terrible, es como los lunes mas o  menos. Empieza la semana o empieza el año. Hemos hecho recapitulacion del año transcurrido y propósitos de todo tipo para el que empieza. En realidad eso nos tiene agobiados:  mucho por delante, mucho por hacer o corregir o en lo que  perseverar. La experiencia del año que ha pasado, es como un informe en el que se señalan los fallos y los aciertos y se va definiendo el camino. A veces es un camino "de espinas" como el que tenemos por delante este dichoso año de los "ajustes". !Oh my Got ¡, esa palabra suena por todas partes .¿Y porqué no han ajustado antes? Mas bien ¿porque no ajustan las cuentas a los que nos han llevado a este disparate?. La avaricia rompe el saco,  viejo refrán que desde luego viene que ni pintado para el momento. En fin yo misma, que pensaba hablar de la exposición de la galería, me pongo a hablar de lo de siempre. Púes no. Basta ya. Y con ese espíritu de no dejarnos comer la moral, es con el que montamos la exposición Sheila Pazos. Es una obra llena de fantasía y de frescura que te saca de la realidad,  está llena de color y de situaciones imposibles. La protagonista de estas fotografías es una chica que ha crecido desmesuradamente, tanto que pasa andando por encima de los edificios de una ciudad o se sienta en los tejados dejando colgar sus piernas con medias color turquesa. Domina la ciudad y juega con ella.

Nos gusto mucho la idea de empezar el año con una artista joven y divertida, que nos ayudara a ver las cosas de manera mas imaginativa y alegre. En las fotografías de Sheila Pazos todo puede ser realidad.

"El único valor para el pensamiento es el sentido, es decir,
el pensamiento moral de lo imposible"
René Magritte

Un alto edificio de pisos recubiertos por un mantel a cuadros, un gato que imitando a King Kong se sube por las terrazas de unas viviendas, largas y grandes piernas de mujer ataviadas con medias rojas paseando por liliputienses calles... son algunas de las creaciones de las que se sirve Sheila Pazos para configurar un cosmos a su medida.
La artista, mediante la fotografía, excluye una interpretación única de significados. Es un argumento explícito construido al subvertir imágenes, con la emisión de mensajes paradójicos de la vida urbana y la profusión de enunciados variables. En las composiciones de esta artista es posible considerar apariencias diferentes según la mirada que las contemple, porque las premisas de las que parte no conducen a una sola conclusión, sino a muchas.
En este contexto soberano, "el sentido es lo imposible". Con la mutabilidad de escalas, volviendo los edificios diminutos y los animales y personas enormes, la creadora invierte realidades e impugna la idea de sentido común.  Su trabajo es la constatación de que es factible recorrer la imaginación para crear universos quiméricos, o que es viable a través de relaciones insólitas, asociaciones que responden a un carácter conceptual, frutos de registros personales vinculados directamente con el ámbito de la urbe, vivencias que la artista sufrió como hija de emigrantes en Suiza y posteriormente en su regreso a Galicia.
El potencial surrealista en sus piezas no tiene connotaciones oníricas propiamente dichas; lo mismo que sucede con Magritte, el automatismo freudiano no influye en la realización de esta propuesta, porque la razón y el gusto, elementos rechazados en el message automatique, Sheila no los desecha como instrumentos en su modo de producción. Las imágenes no las provoca el sueño, es la realidad la que las inspira.
(…)
La realidad y la fantasía se entrelazan invitándonos a jugar, a recrearnos en un mundo ficticio. Rudyard Kipling dijo una vez que "el niño es el padre del hombre", será por eso que cada vez que recorremos estas obras surgen luces que nos adentran en situaciones increíbles, un mundo cándido y travieso al margen de todo sentido común, un mundo donde la clave es la IMAGINACIÓN.
Pues claro que en estas piezas artísticas nada tiene sentido, porque todo es ilusión, magia, encanto y sugerencia. Aquí cada cual es susceptible de desentrañar los montajes, concebidos por Sheila Pazos, a su manera, dando rienda suelta a sus pensamientos. La artista nos da libertad para llegar a su obra ofreciendo caminos plásticos de indudable belleza a través siempre de ese creativo laberinto del sentido de lo imposible.
                                    Mercedes Rozas
                            (Crítica y comisaria de arte)

Henri Cartier Bresson - Sebastiao Salgado

Texto de Elena Vozmediano para la exposicion de Caleb Charland en la galeria

El Cultural El Mundo
Elena VOZMEDIANO | Publicado el 09/12/2011

Caleb Charland: magia en el garaje

www.elcultural.es

Caleb Charland: magia en el garaje. Demostrations

 

Elena VOZMEDIANO | Publicado el 09/12/2011

Lo que decía hace dos semanas de Hiraki Sawa lo podría repetir sobre Caleb Charland: suerte que algunos comisarios y galeristas han tenido el buen tino de fijarse en su obra, relativamente desconocida, y traérnosla para que la podamos disfrutar. En este año, la hemos visto en la colectiva Estación Experimental, que pasó por el Centro de Arte Dos de Mayo y está ahora en LABoral, y en MadridFoto, en el stand de la editora británica Iris Editions. Charland (Portland, 1980) no es ningún outsider -finalizó no hace mucho su master en el Art Institut of Chicago y es ya profesor del Maine College of Art en su ciudad natal- pero parece un fotógrafo de otra época.

Me ha recordado la estupenda exposición en la Fundación BBVA de Harold Edgerton, el inventor del estroboscopio, y sus fotografías científicas de los años 30, 40 y 50. Sólo que Charland limita sus demostraciones -así las llama- al ámbito del taller casero. En algún lugar se ha dicho medio en broma que su obra se enmarca en una “estética de garaje” y él refiere que deriva de la admiración hacia las herramientas y el trabajo de su padre que, muy a la americana, reparaba y construía todo lo que hiciera falta en la casa. En estas demostraciones, lo que Charland hace visible son las “energías vibrando en el espacio”, que nos permiten sentir lo “extraordinario en lo cotidiano”. Los experimentos del colegio son también una fuente de inspiración para el artista, que siente predilección, cual mago decimonónico, por el magnetismo, la electricidad y la ignición. Usa siempre procedimientos analógicos, que incluyen a menudo la realización de múltiples exposiciones de muy breve duración.

 

 

 

 

Caleb Charland: la fotografía como un medio para captar la actividad científica en un solo instante,

Charland se crió en una zona rural de Maine (EE.UU.) y pasó parte de su infancia ayudando a su padre a remodelar sus casas y de ahí surgió parte de su curiosidad y de su capacidad para la utilización de los materiales de forma creativa.

Caleb además, combina su curiosidad científica con la creatividad fotográfica para captar imágenes de objetos cotidianos que interactúan con las fuerzas físicas fundamentales. El resultado es a la vez estético y didáctico.

Según comenta el autor, ...cada fotografía comienza con una simple pregunta: ¿Cómo se vería? ¿Sería posible? ¿Qué ocurriría si…? y se desarrolla mediante un proceso de escultura experimental.

Hace uso de la fotografía como un medio para captar esa actividad científica en un solo instante, o también para combinar varios momentos diferentes en una sola experiencia final. Lo que está claro es que a Caleb Charland le gusta jugar con luces, electricidad, líquidos y fuego y debe pasarlo muy bien con tanta actividad, a la vista de los resultados que obtiene.

Para que no haya dudas, en su web deja totalmente claro que todas las imágenes están tomadas directamente en la cámara, sin ningún tipo de manipulación digital.

Educación

2010 M.F.A. Photography School of the Art Institute of Chicago, Chicago, IL Trustees Fellowship

2009 Skowhegan School of Painting and Sculpture, Skowhegan, ME

2004 B.F.A. Photography with Departmental Honors Massachusetts College of Art Boston, MA

Premios

Trustees Fellowship, The School of the Art Institute of Chicago, Chicago IL

Silver Eye Center for Photography 2007 Fellowship

Art Ability First Prize Still Life

Rome Art Coterie First Prize Photography

“10^th National Juried Exhibition” 2^nd Place Award

Destination Anywhere Second Award

Northern National Art Comptetion Grand Prize

Photo National Juror’s Award of Excellence

Profesión

Artista/ tecnólogo mediático en el departamento de fotografía del Maine College of Art in Portland, ME (enseñanza)

Cámara

 4x5 “monorail view” cámara, con películas de color y blanco y negro

 Black and white images are printed as gelatin silver prints and color images are archival pigment prints. Sometimes I use a single studio strobe, or clamp lights for illumination. The recent work has been combining available light in the landscape with flashlights and matches etc.

Caleb Charland's photographs evoke the curiosity of scientific experimentation

Caleb Charland's photographs offer a series of playful experiments in the laws of physics, often involving constructions and manipulations of light and the tools for making it. Inspired by children's books of science experiments and using everyday tools (like matches, compasses, hairdryers and aluminum foil), Charland seeks to answer the questions "Is this possible?" and "How would that look?"

In "Solid, Liquid, Gas," for example, three similar glass-tumbler shapes are positioned on a film of water. One glass is filled with a separation of water, oil and alcohol. Another, overturned, contains an extinguished candle which, having burned up the oxygen inside the vessel, created a vacuum that sucked water inside -- an old classroom experiment demonstrating atmospheric pressure. The third vessel, also overturned, is composed of ice cast from one of the glasses.

The work is part of Proof: Photographs by Caleb Charland, an exhibit of newer photographs at the Silver Eye Center. The exhibit commemorates Charland's selection for the Silver Eye Fellowship; the artist was chosen for the honor from among hundreds of competitors by Katherine Ware, curator of photographs at the Philadelphia Museum of Art.

Charland, from Brewer, Me., came to this work after college. Not yet feeling ready for graduate study, he undertook a medical radiography program, taking lessons in physics and mathematics.

Proof consists of 17 black-and-white still-life images, rich Selenium-toned silver-gelatin prints, made using a 4-by-5-inch camera. Each work measures approximately 20 by 24 inches, the objects depicted larger than life. Most of the experiments sit or balance on a simple table edge that underlines the horizontal composition, and are often set against a plain background.

The strong horizontal composition and quiet, exploratory feel of a photograph like "Solid, Liquid, Gas" can recall the work of noted early-20th-century artist Giorgio Morandi, whose subtle still-life paintings also often feature glass vessels and are arranged along the horizontal plane. As with Morandi, these photographs suggest a feeling of honesty, echoing Morandi's repeated attempts to explore reality through the familiar. This link is emphasized in the sense the photographs give of "trying to do something over a long period of time."

"Three Jars," for example, was made with an exposure time of four hours. Three glass containers of differing sizes demonstrate the buoyancy effects of salt in water by floating one within the other. The innermost container is filled with glow-in-the-dark paint, which illuminates the rich, dark image.

"Fifteen Hours," meanwhile, uses 15 exposures to depict the flame of a dinner candle as it burns down. The stages of the candle's history are shown in a ghostly arc of time: As the candle broadens at its middle, the differences in height between the exposures become shallower. The ruler employed to measure how each candle "sitting" was placed remains at the fore of the image; its presence opens the work to the viewer and expresses enjoyment at the way the image was constructed.

Silver Eye's second gallery features an interesting balance to Charland's investigations: works by 10 photographers who received honorable mention in the Fellowship contest. Adam Davies' chromogenic print "U.S. 81, Wyoming" depicts abandoned cars on a roadside hill, the broad landscape marked by lines of telegraph poles and fences. Rita Bernstein's "Joanna, Age 16" uses silver emulsion on roughly torn Japanese gampi paper, giving a sense of memory and history to the depiction of a girl, who in strong foreshortening lies on the same plane as the camera, tendrils of hair splayed. Lydia Panas' chromogenic print "Invisible" is a psychological study of four young girls against an autumn background -- each staring at the camera, her eyes full of insolence and inquiry.

Proof: Photographs by Caleb Charland continues through Feb. 2. The Silver Eye Center for Photography, 1015 East Carson St. 412-431-1810 or www.silvereye.org

BY SAMANTHA ARCHETTI

'Demonstrations'. Fotografías de Caleb Charland -

La Galería Rita Castellote presenta por primera vez en España una exposición individual de Caleb Charland (Maine, E.E.U.U.). 

Bajo el simple nombre “Demonstrations” (Demostraciones), Charland nos presenta una serie de fotografías que nos devuelven a la infancia, a la investigación, a la curiosidad del laboratorio de garaje. A modo casi enciclopédico nos presenta una serie de experimentos que revelan la magia de la Física. El resultado: una serie de fotografías que desbordan de belleza a la vez que nos hipnotizan con su misterio. Como él mismos afirma, “nos permite sentir lo extraordinario en lo cotidiano”.

Caleb Charland creció en Maine, en el interior de EEUU, ayudando a su padre a remodelar su casa familiar. Estas experiencias incentivaron una toma de conciencia sobre el potencial uso de materiales y la habilidad para fabricar sus visiones. Charland se graduó con honores en 2004 en el Massachusetts College of Art. Actualmente vive y trabaja en Maine y reconoce varias fuentes de inspiración para su trabajo incluyendo libros de experimentos científicos para niños, E.J. Marey, Fishli & Weiss, Jasper Johns and Tom Friedman.

“Demonstrations” combina mi curiosidad científica con un acercamiento constructivo hacia la creación de imágenes. 

Utilizo objetos cotidianos y fuerzas fundamentales para ilustrar mi propia experiencia con el asombro. Cada pieza comienza con una simple pregunta (¿Cómo puede quedar? …¿Es esto posible?... ¿Qué pasaría si…?) y se desarrolla a través de un proceso de experimentación. Estableciendo parámetros físicos primero descubro el potencial visual de cada idea. Esto permite a las propiedades naturales del material escogido informar sobre mis decisiones estéticas ya que construyo estos escenarios para revelar el fenómeno.

'Demonstrations'. Fotografías de Caleb Charland - Rita Castellote - Arte en la Red

'Demonstrations'. Fotografías de Caleb Charland - Rita Castellote - Arte en la Red

Tu coleccion privada de fotografía ¿Porqué no?

¿A qué esperas para empezar tu coleccion privada de fotografia? Pero hablamos de FOTOGRAFIA, no de postales ni posters. Tu coleccion tiene que ser única, como tú mism@.

Pensaras que no puedes, qué es muy caro, qué no sabes por donde empezar, qué no entiendes. Todo eso son pretextos. Empieza ya y no te arrepentiras. ¿O es que no te mereces algo bueno y qué sea para siempre y cada vez más valiosa?

http://www.galeriaritacastellote.es

LABoral y el Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M) presentan en Madrid Estación Experimental

Exposicion individual de Caleb Charland en Galeria rita castellote.
Caleb Charland, uno de los artistas paraticipantes en la exposicion "Estacion Experimental"  presenta su obra en una individual en la Galeria Rita Castellote de Madrid, que se inaugura el proximo jueves dia 17 de noviembrem entre las obras expuesthttp://www.laboralcentrodearte.org/es/exposiciones/estacion-experimentalas se pueden encontrar piezas que han estado expuestas en el Centro de Arte 2 de Mayo y en La Laboral de Gijon

LABoral y el Centro de Arte 2 de Mayo (CA2M) presentan en Madrid Estación Experimental

 La exposición reúne la obra de 29 artistas cuyas prácticas comparten con la investigación científica motivaciones, búsquedas y horizontes imposibles. Las obras se agrupan en cuatro apartados: Artefactos y mecanismos, En el laboratorio, Trabajo de campo y Perdidos en el espacio. Los artistas presentes son: Julio Adán, Guillem Bayo, Alberto Baraya, Luis Bisbe, Ingrid Buchwald, Carlos Bunga, Caleb Charland

FOTOFEVER PARIS DESPIERTA AL COLECCIONISTA QUE DUERME EN TI

   LA GALERIA RITA CASTELLOTE PARTICIPA EN LA FERIA FOTOFEVER PARIS

PRESENTAMOS A NUESTROS MEJORES ARTISTAS EN ESTA OCASION ESPECIAL

EN SU PRIMERA EDICIÓN ENTRE EL 10 Y EL 13 DE NOVIEMBRE DE 2011 FOTOFEVER INVITA A 35 GALERÍAS INTERNACIONALES A PRESENTAR LO MEJOR DE LA CREACIÓN FOTOGRÁFICA CONTEMPORÁNEA, EL ARTE EN EDICIÓN LIMITADA Y EL VÍDEO

POUR SA 1ère ÉDITION DU 11 AU 13 NOVEMBRE 2011, fotofever INVITE 35 GALERIES INTERNATIONALES À PRÉSENTER LE MEILLEUR DE LA CRÉATION PHOTOGRAPHIQUE CONTEMPORAINE, DE L’ART NUMÉRIQUE ET VIDÉO.

EL ESPACIO PIERRE CARDIN, TRANSFORMADO PARA ESTA OCASIÓN EN TEMPLO DE LA FOTOGRAFÍA GRACIAS A LA ESCENÓGRAFA STHPHANE PLASSIER, ACOGE A FOTOFEVER  DURANTE TRES DÍAS BRILLANTES, DURANTE LOS CUALES EL PUBLICO Y LOS EXPOSITORES PODRÁN COMPARTIR Y HACER VIVIR INTENSA MENTE SU PASIÓN COMÚN POR LA FOTOGRAFÍA EN UN AMBIENTE CORDIAL Y CÁLIDO A TRAVÉS DE UNA SELECCIÓN DE OBRAS VOLUNTARIAMENTE ECLÉCTICAS FOTOFEVER SE COMPROMETE A DESVELAR NUEVAS VOCACIONES DE COLECCIONISTAS.

L’ESPACE PIERRE CARDIN, TRANSFORMÉ POUR L’OCCASION EN TEMPLE DE LA PHOTOGRAPHIE PAR LE SCÉNOGRAPHE STÉPHANE PLASSIER, ACCUEILLE fotofever PENDANT 3 JOURS BRÛLANTS DURANT LESQUELS PUBLIC ET EXPOSANTS POURRONT ÉCHANGER ET FAIRE VIVRE INTENSÉMENT LEUR PASSION COMMUNE POUR LA PHOTOGRAPHIE, DANS UNE ATMOSPHÈRE CONVIVIALE ET CHALEUREUSE !
À TRAVERS UNE SÉLECTION D’ŒUVRES VOLONTAIREMENT ÉCLECTIQUE, fotofever S’ENGAGE PAR AILLEURS À DÉVELOPPER DE NOUVELLES VOCATIONS DE COLLECTIONNEURS. ARTISTES, SPÉCIALISTES ET PASSIONNÉS SONT INVITÉS À ÉCHANGER AVEC LE PUBLIC AMATEUR DE PHOTOGRAPHIES À PROPOS DE LEUR MÉTIER, LEUR PASSION, LEUR COLLECTION.

fotofever VOUS DONNE LES CLÉS POUR RÉVEILLER LE COLLECTIONNEUR QUI SOMMEILLE EN VOUS !

FOTOFEVER LES DA LA LLAVE PARA DESPERTAR AL COLECCIONISTA QUE DUERME EN USTED

FOTOGRAFIAS VERDADERAS

 

Ernesto Bazan en Cuba rompio el invisible cristal que separa al fotografo de los objetos fotografiados. Despues de  14 años viviendo en la isla, ya fotografiaba desde dentro del alma de Cuba.

Las fotos de Ernesto Bazan son sobre todo verdaderas. Llenas de intimidad y cercanía. Nada tienen que ver con a imagen de esa Cuba sonriente, festiva, exótica o folclorista que se muestra al turismo como un edén de la alegría y la diversión.
La Cuba de Ernesto Bazan es la que día a día sufre las consecuencias de vivir bajo las dos pesadas losas de un bloqueo que les impide desarrollar su economía y de una dictadura que les impide expresarse y vivir con libertad, sin miedo a sufrir consecuencias.

"Ni una sola de las miles de imágenes que existen de Cuba, tomadas por fotógrafos cubanos y extranjeros, se asemejan a éstas. Las imágenes aquí presentadas llevan el nombre del fotógrafo como sello, su percepción, su pensamiento, y cuentan una historia que sólo le pertenece a él", dice la prestigiosa crítica fotográfica Vicki Goldberg en el epílogo de BazanCuba, el libro en el que este fotógrafo siciliano ha dejado resumidas sus sensaciones y sentimientos de catorce años de vida en la isla a lo largo de 280 páginas con 118 fotografías, aderezadas con extractos de su diario personal manuscrito, en una edición cuasi artesanal en la que colaboraron más de 50 estudiantes de sus talleres, y que se vende sólo a través de Internet.

No es la de Ernesto Bazan, nacido en el año 1959, justo el año de la Revolución cubana, una visión complaciente. Es cruda y desgarrada.

"La Habana está en un estado de descomposición física y mental; parece exhausta y cayéndose a pedazos. Es enorme la degradación. Sueños rotos y desolación por todos lados", escribe en un fragmento de su diario personal correspondiente a 1992, reproducido en su libro.

 

 

La Cuba que muestra Ernesto Bazan está filtrada por la visión personalísima de alguien que está "casi seguro" de haber vivido en la isla en una vida anterior. Muestra el dolor de los cubanos ante las dificultades de la vida diaria, y la presenta desde el dolor que le ha producido el tener que dejar la isla hace ya más de cuatro años, cuando tuvo que exiliarse tras recibir la advertencia de que su familia podía "tener problemas".

Lo curioso es que en un estado policial como el cubano, a veces los problemas no te llegan por desavenencias con el régimen, sino por cosas mucho más mundanas: los vecinos de Sissy, la mujer de Ernesto, no soportaron que ella pudiera darse una vida mejor que la de ellos, y denunciaron las actividades de su marido. Ernesto lo dice claramente: "Mis talleres son caros". Ergo: no aptos para bolsillos de estudiantes cubanos, sólo asistían estudiantes extranjeros.

"Algunos vecinos envidiosos de mi esposa, que tenía un nivel de vida más acomodado, como no tienen nada que hacer en todo el día, empezaron a escribir cartas anónimas y convirtieron algo muy bonito, como lo de mis talleres fotográficos, en un crimen de Estado", resume.

 

Así fue que en 2006, tras 14 años de vida en una isla que siente como suya, donde se reencontró con la atmósfera de esa Palermo que lo vio nacer en 1959 (el mismo año en el que nació la Revolución Cubana), Ernesto tuvo que dejar la isla.

"Cuando tienes esposa e hijos cubanos, no puedes permitirte jugar con el régimen", dice. La excusa fue que el reglamento del Centro Internacional de Prensa cubano establece que un extranjero no puede impartir clases de periodismo, aunque sí lo pueda ejercer. "La acusación fue que yo era fotoperiodista y estaba dando talleres de periodismo. Según el reglamento del Centro de Prensa Internacional, yo puedo sacar todas las fotos que quiera, pero no puedo dar clases de periodismo. Es una de las tantas estupideces que hay en un mundo regido por ese tipo de reglas", dice.

"Yo he dejado de ser fotoperiodista hace muchos años. Los míos son reportajes de mucha introspección", dice, pero sabía que no podría convencer de eso a las autoridades que decidieron que sus talleres eran de periodismo. Pese a intentarlo.
"Obviamente, fue un momento duro, porque teníamos una casa, cosas materiales... Pero cuando llega el momento en que sientes que estás a punto de perder la libertad de escoger lo que quieres hacer en tu vida, estaba dispuesto a entregar hasta mis cámaras para que mi familia y yo saliéramos sin problemas", cuenta. Pese a ello, no hace de su situación un drama ni se victimiza. Reconoce que es un privilegiado.

"En comparación con lo que les pasa a los cubanos, siempre digo que lo que me pasó a mí es algo muy pequeño", dijo. "Mi familia ha tenido la suerte de poder regresar hasta la fecha a visitar a su familia; entonces, para mí, no es nada del otro mundo", cuenta.

De privilegiado a expulsado

La maledicencia y la envidia de unos vecinos con mucho tiempo libre en el estado policial de los CDR (Comités de Defensa de la Revolución) pudieron más que la simpatía que el trabajo de Bazan llegó a despertar en algunas autoridades cubanas.

Hasta el propio Raúl Castro (por entonces jefe de las Fuerzas Armadas) tuvo el gesto inédito de dejarle fotografiar una semana al Ejército cubano cuando Bazan lo solicitó en una carta, y luego el gobierno lo invitó a exponer esas fotografías en el Museo de la Revolución.

"El gobierno cubano sabía exactamente lo que yo hacía, porque controlan e-mails, teléfonos... Tenía una relación normal con el gobierno sin tener que lamerle el culo a nadie...", dice y se detiene a pensar.

"En realidad, era privilegiada", dice, "el mismo Raúl Castro pidió que yo hiciera una exposición del trabajo que había hecho a lo largo de una semana en el Museo de la Revolución. ¡Y no me pidieron nada! Yo dije: “Voy a hacer la exposición con las fotos que tengo”. Que son fotos muy personales. La única cosa que me pidieron y accedí porque me pareció un buen pedido, es que incluyera algunas fotos de mujeres soldados. Y fue una situación totalmente surrealista: en el Museo de la Revolución -que era el ex palacio presidencial de Batista- rodeado por todos esos generales, la secretaria de Raúl Castro llamándome por la mañana a mi casa deseándome éxito con mi exposición..."
"Ellos eran conscientes de que mi fotografía sobre el Periodo Especial [los años que siguieron a la caída de la Unión Soviética, especialmente duros para Cuba después de que Rusia manifestara que no seguiría enviándole ayuda] mostraba la dureza, las dificultades del día a día de los cubanos, y a pesar de eso me abrieron las puertas. Veían que trato de fotografiar siempre al hombre con mucha dignidad, a pesar de las dificultades que tiene que encarar. Y eso creo que le gustó al régimen cubano y por eso me permitieron entrar en muchos lugares, lo que ayudó mucho a que mi proyecto llegara donde yo quería", admite, y al final, se muestra agradecido de su destino.

"Al final, créeme, es como se dice en Italia: “Se cierra una puerta y se abre un portón”. Era parte de mi destino. Yo tengo dos niños varones: si me hubiera quedado en Cuba, a los 17 años tendrían que haber hecho dos años de servicio militar obligatorio, y ni hablar del lavado de cerebro que recibían cada día en la escuela... Entonces, creo que ha sido mucho mejor que hayamos salido de la isla", confiesa.

Los amigos y la infancia

Los principales amigos que Bazan dejó en Cuba son campesinos, quizás por eso de que los ambientes rurales de la isla aún no están contaminados de la picaresca de las grandes ciudades propiciada por el turismo y las necesidades materiales, un fenómeno social común a todas las grandes ciudades latinoamericanas (y quizás todas las del Tercer Mundo en donde los habitantes suelen ver a los turistas europeos como verdaderos euros andantes) y del cual La Habana es unos de sus mayores exponentes. Pero no quiere meter a todos en el mismo saco, y prefiere recordar los grandes amigos que allí dejó.

"Estaba feliz de haber encontrado mi niñez siciliana en el campo, y hubiera podido fotografiar muchos años más, pero el destino quiso que tenga que salir", dice. La Cuba de la que Ernesto Bazan se enamoró, es la Cuba campesina, que le recordaba a la Sicilia de su juventud, no la Cuba habanera en la cual se ha instalado una carrera por acaparar más bienes materiales que ostentar ante el vecino, de lo que les llega principalmente por medio de los turistas o el contrabando, a una Habana donde paulatinamente los valores primigenios de la revolución se han visto desplazados por el ansia de acceder al negocio de los chavitos, los pesos cubanos convertibles a dólar. Esa Cuba habanera que fue la que lo expulsó.